海边，对萧邦而言并不能算是美好的回忆，1839年，萧邦为了养病，在乔治桑的安排下前往马约卡岛，没想到潮湿阴冷的天气，反而对萧邦的身体更为不利。不过，兰杰尔（Andrew Rangell）这张「萧邦钢琴曲集」，却是在紧邻海边的「刘沙林音乐厅」演出录制，在这样场景当中，会不会在钢琴的音符当中，听见萧邦的咳嗽声？
「刘沙林音乐厅」可说是我见过演出场景最美的音乐厅，座落于美国Rockport的海边，建筑师把音乐厅最美的风景，留给了Rockport美丽的海岸，听众在台下往舞台看过去，除了舞台上的音乐家，还有Rockport的海岸，玻璃隔离了海浪拍岸的声响，在宁静的音乐厅当中，听众耳朵里是萧邦的美丽音符，眼里却是宁静的海浪拍岸，这时，音乐厅的建筑是凝固的音符，海浪又是宁静的流动，伴随着萧邦的钢琴音符起伏不定，而傍晚开始的音乐会，还有大自然担任最佳灯光师，从黄昏到夜晚，音乐厅的落地窗从明亮到昏黄，从炫丽到阴暗。我想，如果能够在这里听一场音乐会，绝对是毕生难忘的经验。
这是我第二次写录制于「刘沙林音乐厅」的唱片了，关于这个音乐厅的故事，读者们可以读读「巴哈：赋格的艺术」，一样是兰杰尔的演出录音。不过我猜想这张唱片又会是钢琴老师与学生的梦靥，因为几乎没有瑕疵的演奏，在真实生活中几乎不可能出现，但是在录音的世界里，「完美」可以靠「反覆」录音来完成，顾尔德不就是如此，靠著录音剪辑创造出一张又一张「完美」的录音？
兰杰尔也像顾尔德一样吗？是的，而且他录音的年代已经进入全数位化，录音剪辑更能巧夺天工，丝毫没有瑕疵。为什么兰杰尔要这么做？他不是「费雪奖」（Avery Fisher Career Grant）得主？难道不能现场录音？
没错，兰杰尔在纽约出道，曾经获得演奏家公会的Malraux Award，1980年代活跃于全球音乐厅，还获得至高荣誉的费雪奖，可是1991年因为手伤，不得不放弃现场演出，转往唱片录音。或许，您会觉得这样经过后制的录音，少了一点现场的活生感，但是对钢琴家而言，这却是雕琢完美的手段。
一张「萧邦钢琴曲集」，对于萧邦爱好者而言，似乎是诸多萧邦钢琴曲唱片「又多了一张」，但是兰杰尔在这九首曲子的选择，显然有自己的看法，在他亲自撰写的唱片解说当中，标题写着「伟大的设计」（Designs of Grandeur），演奏家试图从九首曲子勾勒萧邦的作曲企图，显然，这不是「又一张萧邦」，而是有意识的萧邦精选。
我经常觉得，在数位串流的时代当中，实体唱片的意义就在那精致的唱片说明，而史坦威唱片让演奏家畅所欲言，在CD的音符之外，用文字说明演奏家对音乐的想法，或者说，当演奏家与作曲家所留下的音符「对话交流」了数十年之后，演奏者如何「看透」作曲家的心灵，从这些文字叙述中凝聚了精华。当然，这些文字不能取代音符，就像我写的唱片评论一样，只是吸引读者们来听这些音乐，而演奏者的文字，则能帮助我们更接近演奏者与作曲家之间的私密对话。
兰杰尔选了哪些曲子？第一首从幻想波兰舞曲开始，1846年的作品，距离萧邦过世的1849年只有三年，而实际上萧邦的身体在最后两年已经无法支撑工作，作曲在1847年就停止了。1846年，也是萧邦与乔治桑分手的那一年，萧邦自己形容是「苦恼的写作」（tourments ecrits），用这首曲子开场，兰杰尔捕捉的是萧邦突破传统作曲框架，产生独一无二的萧邦式浪漫情怀。
接下来兰杰尔选了夜曲、练习曲、前奏曲、叙事曲，这些都是萧邦手中发扬光大的格式，不过在整张唱片当中，最让我着迷的是「新练习曲」（Nouvelle Etude No.1 in F minor），这是1839年的作品，那时候萧邦正在马约卡岛上，与寒冷潮湿的气候搏斗着。兰杰尔把这段音乐生动地描述着，在他的文字里写着「三拍的旋律与反覆的四拍同时进行着......奇特但意外的和谐暗示着悲剧，但却不只是暗示。」而在新练习曲之后，紧接着是「叙事曲」（Ballade No.1 in G minor, Op.23），兰杰尔用这样的安排，帮萧邦的音符「讲话」，就在Rockport海边的「刘沙林音乐厅」，而背景是拍岸的浪花与变化的阳光......
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